An Allegory of Truth and Time

An Allegory of Truth and Time is a 1584–85 oil on canvas painting by Annibale Carracci, now on display in Hampton Court as part of the Royal Collection.

It is not mentioned in any of the 17th-century biographical sources on Carracci's life and it is thought to have been in England by the early 18th century at the latest. The first definite reference to it dates to the mid 19th century, by which time it was in Queen Victoria's collection and thought to be by an unknown artist. Roberto Longhi and Hermann Voss assigned it its present attribution in the early 20th century.

Its style is very close to that of the artist's work on the Lives of Jason and Medea frescoes at the Palazzo Fava in Bologna, produced around 1584 with his relations Agostino Carracci and Ludovico Carracci. For this reason it is sometimes argued that the canvas was commissioned by that palazzo's owner, Filippo Fava. Its style and composition are both close to a drawing for a Judgement of Paris (Fogg Art Museum), argued by some art historians to have been produced by Carracci as a preparatory for a lost or never-executed painting.

Iconography
<!---Iconograficamente, l’Allegoria di Annibale illustra la vittoria della verità favorita dal tempo. La personificazione del Tempo – riconoscibile dall'età decrepita e dalla clessidra che ha in mano –, infatti, tira fuori da un pozzo la figura alata della Verità (un adolescente efebico) che si guarda in uno specchio, mentre schiaccia l’Inganno (o Frode). L’Inganno sembra avere sulla nuca una piccola testa mostruosa che ne sottolinea la doppiezza e la malvagità.

Altre due figure, in primo piano ai lati della composizione, inquadrano la scena principale. La prima a sinistra è una donna alata che regge un caduceo e una cornucopia. All'altro lato della tela un giovane regge con la mano destra una coppa piena di fiori e nella sinistra delle spighe di grano e dei bulbi di papavero.

Per l'identificazione di queste due figure si deve partire da quanto narra Plinio il Vecchio (nella Naturalis historia) circa la presenza sul Campidoglio di due statue di Prassitele raffiguranti la Buona Fortuna e il Buon Evento, divinità minori romane. Sempre Plinio ci dice che sul Campidoglio vi era un'ulteriore statua del Buon Evento, questa di Eufranore, che lo storico descrive come un giovane che nella mano destra ha una patera (una coppa) e nella sinistra spicam ac papaveram tenes.

La testimonianza di Plinio fu ripresa da Vincenzo Cartari nel suo Le immagini de i dei antichi, fortunato trattato cinquecentesco sull’iconografia delle divinità classiche. In un’edizione illustrata del trattato del Cartari, edita a Venezia nel 1571, vi è un'incisione dove (tra altre personificazioni allegoriche) si individuano entrambe le figure riprodotte da Annibale nell’Allegoria di Hampton Court.

La vicinanza iconografica tra il Buon Evento in alto a destra nell'incisione e la figura a destra sulla tela di Annibale è chiara: anche il giovane del dipinto di Hampton Court ha in una mano una coppa e nell'altra mano spighe di grano e bulbi di papavero.

Anche il personaggio femminile a sinistra della composizione è chiaramente avvicinabile alla figura allegorica seduta su un podio nell'incisione. Si tratta in tutti e due i casi di una donna incoronata che ha in una mano un caduceo e nell'altra una cornucopia. Per Cartari quella figura è la Felicitas, ma in base ad altre fonti iconografiche potrebbe trattarsi della Buona Fortuna (cui del resto fa riferimento anche Plinio quando ci dice della statua del Buon Evento di Prassitele). Ma in verità le due divinità minori della Felicitas e della Buona Fortuna sembrano essere piuttosto intercambiabili nella religiosità romana.

La presenza della Felicità (o Buona Fortuna) e del Buon Evento nella Allegoria di Annibale completa il significato iconografico dell'opera trasmettendo il concetto che solo la vittoria della Verità sulla Frode e l'Inganno è condizione per una vita felice e propizia. --->

Influences
One of the masterpieces of the painter's youth, it reflects his reaction to Correggio's style, a reaction which marked his paintings immediately after entering the art scene. Some argue that in this work that reaction is also filtered through the work of Federico Barocci.