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Cinematografía De la Wikipedia, la enciclopedia gratuita “La cinematografía” nos redirige aquí. Para ver el álbum de rock 2007, vea álbum cinematográfico. Este artículo necesita citaciones adicionales para su verificación. Por favor ayuda a mejorar este artículo, añadiendo citaciones de fuentes fiables. El material que no proceda de algún tipo de fuente puede que sea cuestionado y eliminado. La cinematografía, (del griego: kinema -κίνημα “movimiento” y grafía, γράφειν “grabar”) es la creación de imágenes en movimiento. Se implica en el uso del cine y la creación de imágenes digitales de la película o las imágenes digitales, normalmente con una cámara de video. Está muy relacionado con el arte de la fotografía. Muchas más dificultades técnicas surgen cuando y posibilidades de creatividad cuando la cámara y los elementos de la escena puede que estén en movimiento. Contenido [Ocultar] 1.	Historia 2.	Aspectos 2.1	sensor de imagen y películas de cine 2.2	filtros 2.3	Lentes 2.4	Enfoque y profundidad en el campo 2.5	Proporción y encuadre 2.6	Iluminación 2.7	Movimientos de cámara 3.	Efectos especiales 3.1	Velocidad de fotogramas 4.	personal 5.	Evolución de la tecnología: nuevas definiciones 6.	vea también 7.	referencias 8.	Links externos

Historia: Más información: Historia del cine La cinematografía, es una forma de arte única para las películas. Aunque la exposición de imágenes en elementos de luz sensible se remonta a la temprana era del siglo 19, las películas exigían una nueva forma de fotografía, y nuevas técnicas estéticas. En la infancia del filme, el cinematógrafo ejercía también el papel de director y la persona que sostenía la cámara. Al tiempo en el que el arte y la tecnología evolucionaron, surgió una separación entre el director y el operador de la cámara. Con la llegada de la luz artificial (luz más sensible) y mayor rapidez en las películas, además de los avances tecnológicos en óptica y nuevas técnicas como películas en color y panorámica, los aspectos técnicos de la cinematografía necesitaban un especialista en el área. La cinematografía fue clave durante la era del cine mudo - no había sonido aparte de la música de fondo, no había diálogo - las películas se basaban en la iluminación, actuación e interpretación. En el año 1919, en Hollywood, se creó la nueva película capital del mundo, una de las primeras (que todavía existe) sociedades de comercio: la Sociedad Americana de Cinematógrafos (ASC), la cual se mantuvo para organizar la contribución de los cinematógrafos al arte y la ciencia de la creación de películas. En otros países también se han establecido este tipo de asociaciones de comercio. ASC define la cinematografía como un proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría de un trabajo original de arte más que una simple grabación de un evento físico. La cinematografía no es una sub-categoría de la fotografía. Más bien, la fotografía es sin embargo una destreza que el cinematógrafo utiliza en adicción con otras técnicas físicas, organizativas, directivas, interpretativas y manipuladoras de la imagen para efectuar un proceso coherente.

Aspectos En el arte de la cinematografía contribuyen muchos aspectos. Estos son: Sensor de imagen y películas de cine La cinematografía puede empezar con carretes de películas o un sensor digital de la imagen. Los avances en la producción de películas y la estructura granulada proporcionaron un amplio rango de películas disponibles. La selección de una película fue una de las primeras decisiones tomada en la preparación de una película típica del siglo 20/veinte. Aparte de la selección de anchura de la película — 8mm (aficionado), 16mm (semi-profesional), 35mm (profesional) y 65mm (fotografía épica que se usa pocas veces excepto en puntos de reunión para eventos especiales) — el cinematógrafo tiene una selección de stock en reversión (que cuando son desarrolladas crea una imagen positiva) y formatos negativos junto con un amplio rango de velocidades de la película (variando desde la sensibilidad hasta la luz) desde ISO 50 (lento, menos sensible a la luz) hasta 800 (muy rápido, extremadamente sensible a la luz) y respuestas distintas para el color (baja saturación, alta saturación) y contraste (variando los niveles entre negro puro (sin exposición) y blanco puro (sobreexposición completa). Los avances y ajustes para casi todas las medidas de las películas crearon los “super” formatos donde el área de la película solía capturar un solo fotograma de la imagen expandida, aunque la medida física de la película permanezca igual. Tanto Super 8m, Super 16 mm y Super 35mm utilizan más del total del área de la película para la imagen en vez de sus super contrapartes “regulares”. Cuanto mayor sea la dimensión de la película,  la resolución de claridad y la calidad técnica de la imagen será más alta. Las técnicas empleadas por el laboratorio de películas para procesar la película fotográfica también pueden ofrecer una considerable discrepancia en la imagen producida. Controlando la temperatura y variando la duración en la que la película es remojada en los productos químicos desarrollados y omitiendo ciertos procesos químicos (u omitiendo saltando todos ellos), los cinematógrafos pueden lograr diferentes vistas de una sola película en el laboratorio. Algunas técnicas que se pueden utilizar son las de revelado, bypass blanqueador y proceso cruzado. El trabajo del siglo 21 utiliza en su totalidad cinematografía digital y no tiene películas fotográficas, pero las cámaras pueden estar ajustadas en diferentes formas que van más lejos de las habilidades de una película fotográfica en particular. Estas pueden proporcionar grados variados de sensibilidad de color, el contraste de la imagen, la sensibilidad de la luz etc. Una cámara puede lograr toda la variedad de vistas de diferentes emulsiones, aunque se discute cual de los métodos de captura de la imagen es el “mejor” método. Los ajustes de la imagen digital (ISO, contraste etc.) son ejecutados estimando los mismos ajustes que tendrían lugar si una película real estuviera en uso, y así son vulnerables a las percepciones del diseño del sensor de las cámaras de varias películas fotográficas y los ajustes de los parámetros de la imagen.

Filtros Los filtros, como los filtros de difusión o los filtros de efectos de color, también son ampliamente utilizados para mejorar los efectos del estado de ánimo o efectos dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos se componen de dos piezas de vidrio óptico pegadas entre sí con una forma de imagen o material de manipulación de la luz entre el vidrio. En el caso de los filtros de color, a menudo en medio hay un color translúcido presionado entre dos planos de vidrio óptico. Los filtros de color funcionan mediante el bloqueo de ciertas longitudes de onda que el color de la luz mediante la película. Con la película a color, esto funciona muy intuitivamente, así pues un filtro azul reduce el paso al rojo, naranja y amarillo claro y crea un tinte azul en la película. Con las fotografías en blanco y negro, los filtros de color se utilizan poco, por ejemplo un filtro de color amarillo, lo que reduce las longitudes de onda azules de la luz, puede ser utilizado para oscurecer un cielo de verano (mediante la eliminación de la luz azul de golpear la película, por tanto en gran medida subexponiendo el cielo todo azul), aunque no sea un tono de piel más humano. Algunos cineastas, como Christopher Doyle, son muy conocidos por su uso innovador de los filtros. Los filtros pueden ser utilizados en frente de la lente, o en algunos casos, detrás de la lente para diferentes efectos. Lente Las lentes pueden conectarse a la cámara para dar una cierta mirada o sentir el efecto de enfoque, color, etc. Al igual que el ojo humano, la cámara crea perspectiva y relaciones espaciales con el resto del mundo. Sin embargo, a diferencia de un ojo, una fotografía puede seleccionar diferentes lentes para diferentes propósitos. La variación en la distancia focal es una de las ventajas principales. La longitud focal de la lente determina el ángulo de visión y, por lo tanto, el campo de visión. Los directores de fotografía pueden elegir entre una amplia gama de objetivos de gran angular, lentes “normales” y lentes de enfoque largo, así como los objetivos macro y otros sistemas de efectos especiales de lentes tales como lentes de baroscopio. Los objetivos de gran angular tienen longitudes focales cortas y distancias espaciales que hacen más evidentes. Una persona en la distancia parece mucho más pequeña, mientras que alguien de cerca es más grande. Por otro lado, las lentes de enfoque largas reducen tales exageraciones, representando objetos lejanos aparentemente próximos entre sí y la perspectiva de aplanamiento. Las diferencias entre la representación de la perspectiva no es debido a la longitud focal por sí misma, sino por la distancia entre los sujetos y la cámara. Por lo tanto, el uso de diferentes longitudes focales en combinación con otra cámara a distancia de sujetos crea esta representación diferente. Cambiando la distancia focal solo mientras se mantiene la posición de la misma cámara no afecta a la perspectiva, solamente al ángulo de visión. Una lente de zoom permite a un operador de cámara cambiar su longitud focal dentro de un disparo o rápidamente entre configuraciones para los tiros. Como los objetivos principales ofrecen una mayor calidad óptica y son “más rápidos” (las grandes aberturas de diafragma, que puedan utilizarse en menos luz) que los objetivos zoom, que se emplean a menudo en el cine profesional sobre las lentes de zoom. Ciertas escenas o incluso tipos de cine, sin embargo, pueden requerir el uso de un zoom de velocidad o facilidad de uso, así como tomas que impliquen un movimiento zoom. Como en otra fotografía, el control de la imagen expuesta se hace en la lente con el control de la abertura del diafragma. Para una buena selección, el director de fotografía necesita que todas las lentes sean grabadas con T-stop, no con f-stop, para que la pérdida de luz eventual, debido al vidrio no afecte al control de la exposición cuando se ajusta utilizando los medidores habituales. La elección de la abertura también afecta a la calidad de la imagen (aberraciones) y la profundidad de campo (véase más adelante). La profundidad del campo y el enfoque. Una foto enfoque profundo del Ciudadano Kane (1941): todo, incluso el sombrero en el primer plano y el muchacho (el joven Charles Foster Kane) en la distancia, se encuentra en un enfoque nítido.

Profundidad de campo y enfoque La longitud focal y la abertura del diafragma afectan a la profundidad de campo de una escena, es decir, hasta qué punto el fondo, la media altura desde el suelo y el primer plano se representarán en el “enfoque adecuado” (un solo plano exacto de la imagen está en el foco exacto) de la película o del destino del vídeo. La profundidad de campo (que no debe confundirse con la profundidad de foco) se determina por el tamaño de la abertura y la distancia focal. Una amplia o profunda profundidad de campo se genera con una abertura muy pequeña del iris y se centra en un punto en la distancia, mientras que una profundidad de campo se puede lograr con una gran apertura del iris y centrándose más cerca de la lente. La profundidad de campo también se rige por el tamaño de formato. Si se considera el campo de visión y el ángulo de visión, cuanto menor será la imagen, más corta será la distancia, para mantener el mismo campo de visión. Entonces, cuanto menor sea la imagen, se obtiene más profundidad de campo para el mismo campo de visión. Por lo tanto, 70mm tiene menos profundidad de campo de 35mm para un campo determinado de vista, 16mm tiene más que 35mm y las cámaras de vídeo aún más con una profundidad de campo de 16mm. Como camarógrafos tratan de emular el aspecto de películas de 35mm con las cámaras digitales, este es un tema de frustración - una excesiva profundidad de campo con cámaras digitales y el uso de dispositivos ópticos adicionales para reducir esa profundidad de campo. En Ciudadano Kane (1941), los directores de fotografía Gregg Toland y Orson Welles utilizan estrictas aberturas para crear una profundidad de campo muy grande en las escenas, a menudo haciendo que cada detalle del primer plano y del fondo se junten en un enfoque nítido. Esta práctica se conoce como el foco en profundidad. El foco en profundidad se convirtió en un dispositivo cinematográfico popular de la década de 1940 en Hollywood. Hoy en día, la tendencia es un mayor enfoque superficial. El cambio del plano de enfoque de un objeto o personaje a otro desde un disparo, se conoce comúnmente como un foco de rack. Proporción y encuadre. La proporción de una imagen es el cociente de su anchura a su altura. Esto se puede expresar como una relación de 2 enteros, tales como 4:3, o en un formato decimal, como 1,33:1 o simplemente 1,33. Diferentes proporciones ofrecen diferentes efectos estéticos. Las normas para la relación de aspecto han variado significativamente con el tiempo. Durante la época del cine mudo, las proporciones han variado ampliamente, desde 1:1, hasta la panorámica 4:1 Polyvision. Sin embargo, desde la década de 1910, las imágenes mudas en movimiento, en general, se establecieron en la proporción de 4:3 (1,33). La introducción del sonido en el cine estrechó brevemente la proporción para dejar espacio a una banda sonora. En 1932 se introdujo un nuevo parámetro, con la proporción de 1,37, con el fin de ensanchar el marco. Durante años, los directores de fotografía tradicionales se limitaban al uso de la proporción asignado en la Academia, pero en la década de 1950, gracias a la popularidad de Cinerama, las proporciones para las panorámicas se introdujeron con un esfuerzo por devolver al público de nuevo a los cines y lejos de sus televisiones. Estas nuevas panorámicas proporcionaban a los productores un fotograma mucho más amplio para componer sus imágenes. Varios sistemas de fotografía fueron inventados y utilizados en los años 50 para crear películas, pero hay uno que domina en la actualidad: el proceso anamórfico, que exprime ópticamente la imagen para fotografiar el doble del tamaño en el área horizontal y el mismo tamaño vertical como las lentes “esféricas" estándar. El primer uso común del formato anamórfico fue CinemaScope, que usó una proporción de 2,35, aunque originalmente era de 2,55. CinemaScope se usó desde 1953 hasta 1967, pero debido a defectos técnicos en el diseño y su posesión por Fox, terceras compañías, dirigidas por las mejoras técnicas de Panavision en los años 50, dominan ahora el mercado de lentes anamórficas. Los cambios en las proyecciones estándar de SMPTE alteraron las proporciones proyectadas de 2,35 a 2,39 en 1970, aunque esto no alteraba nada excepto los estándares anamórficos de fotografía; todos los cambios respecto a las proporciones de fotografía anamórfica de 35 mm son específicas a una cámara o proyector, y no al sistema óptico. Tras la “guerra de las panorámicas” de los años 50, la industria cinematográfica estableció 1,85 como estándar para las proyecciones en los Estados Unidos y el Reino Unido. Esta es una versión corta de 1,37. Europa y Asia optaron por 1,66 al principio, aunque el 1,85 ha permeado ampliamente estos mercados las últimas décadas. Ciertas películas “épicas” o de aventuras utilizaban el anamórfico 2,39. En los años 90, con la llegada del vídeo en alta definición, los ingenieros de televisión crearon la proporción de 1,78 (16:9) como compromiso matemático entre el estándar del cine de 1,85 y el de la televisión de 1,33, ya que no era práctico producir un tubo de televisión CTR tradicional con una anchura de 1,85. Hasta aquel momento, no se había creado nada en 1,78. Hoy en día, este es un estándar para vídeos de alta definición y para televisiones panorámicas. Algunas películas del cine se graban actualmente usando cámaras HDTV. Iluminación La iluminación es necesaria para crear la exposición de una imagen en un fotograma de una película o en una tarjeta digital (CCD, etc.). Sin embargo el arte de la iluminación en cinematografía se aleja de la exposición básica hacia la esencia de cuenta-cuentos. La iluminación contribuye considerablemente a la respuesta emocional que la audiencia tiene al ver imágenes en movimiento. Como dijo una vez el director Sahin Michael Derun: la diferencia entre porno y erotismo es la iluminación (simplemente remarcando la importancia de la iluminación en cinematografía).

Movimientos de cámara Artículo principal: técnicas cinematográficas La cinematografía no solo puede representar un objeto en movimiento si no que puede usar una cámara que representa el punto de vista o perspectiva de la audiencia, que se mueve durante la filmación. El movimiento juega un rol considerable en el lenguaje emocional de la filmación de imágenes y la reacción emocional de la audiencia a la acción. Las técnicas se extienden desde los movimientos más básicos del “panning”(movimiento horizontal de un punto de vista desde una posición fija; como si giraras tu cabeza de un lado a otro) y “tilting” (movimiento vertical de un punto de vista desde una posición fija; como inclinar la cabeza hacia atrás para mirar hacia el cielo y luego hacia el suelo) hasta el “dollying”(posicionando la cámara en una plataforma en movimiento para acercarse o alejarse del objeto), “tracking”(posicionando la cámara en una plataforma en movimiento para moverla hacia la izquierda y la derecha), cranning (moviendo la cámara en una posición vertical; siendo capaz de levantarla del suelo así como balancearla de un lado a otro desde una posición fija), y combinaciones de las anteriores. Las cámaras se han llegado a montar en casi cualquier medio de transporte imaginable. La mayoría de las cámaras también pueden ser de mano, eso quiere decir que están en manos del cámara, que la mueve de una posición a otra mientras filman la acción. Las plataformas estabilizadoras se empezaron a utilizar a finales de los años 70, durante la invención de Garret Brown, conocida como “Steadicam". La “Steadicam” es un arnés y estabilizador de brazos que se conecta con la cámara, apoyando la cámara mientras se aísla de los movimientos de quien la usa. Después de que la patente de “Steadicam” caducara a principios de los 90, muchas otras compañías comenzaron manufacturando su concepto del propio estabilizador de cámaras.

Efectos especiales Artículo principal: efectos especiales Los primeros efectos especiales en el cine fueron creados mientras la película estaba siendo filmada. Estos empezaron a conocerse como los efectos “in-camera”. Más tarde, se desarrollaron efectos ópticos y digitales para que los editores y artistas de efectos visuales pudieran controlar el proceso manipulando la película en post-producción. Se pueden ver muchos ejemplos de efectos especiales “in-camera” en obras de Georges Méliès.

Velocidad de fotogramas Artículo principal: velocidad de fotogramas Las imágenes en movimiento se representan a la audiencia a una velocidad constante. En el cine, es de 24 fotogramas por segundo (FPS), en NTSC (EEUU) la televisión es de 30 fotogramas por segundo (29.97 para ser exactos), en PAL (Europa) la televisión es de 25 fotogramas por segundo. Esta velocidad de representación no varía. Sin embargo, variando la velocidad en la que la imagen es capturada, varios efectos pueden ser creados sabiendo que la imagen grabada más rápida o lentamente se presentará a una velocidad constante. Por ejemplo, la fotografía “time-lapse” se crea mediante la exposición de una imagen a una velocidad muy lenta. Si un cinematográfico coloca una cámara para exponer un fotograma cada minuto durante cuatro horas, y después ese material se proyecta a 24 fotogramas por segundo, un evento de 4 horas tardará 10 segundos en representarse, y cualquiera puede presentar los eventos de un día entero (24 horas) en un solo minuto. A la inversa, si una imagen es capturada a velocidades mayores de las que serán expuestas, el efecto es para ralentizar las imágenes (cámara lenta). Si un director de fotografía captura a una persona zambulléndose en una piscina a una velocidad de 96 fotogramas por segundo y la imagen es expuesta a 24 fotogramas por segundo, la representación durará 4 veces más que la acción real. La captura extrema de cámara lenta, capturando miles de fotogramas por segundo puede presentar cosas invisibles al ojo humano, como las balas en una guerra y las ondas expansivas viajando por el aire, una técnica cinematográfica potencialmente poderosa. Con imágenes en movimiento, la manipulación del tiempo y del espacio es un factor que contribuye considerablemente a las herramientas para contar historias. La edición de películas juega un rol mucho más fuerte en esta manipulación, pero la selección de la velocidad de fotograma en la fotografía de la acción original también es un factor contribuyente en cuanto a la alteración del tiempo. Por ejemplo, Modern times de Charles Chaplin fue filmada a una “velocidad silenciosa” (18 fps) pero proyectada a “velocidad de sonido” (24 fps), que hace que las payasadas parezcan más frenéticas. “Speed ramping” o simplemente “ramping”, es un proceso por el cual la velocidad de captura del fotograma cambia con el tiempo. Por ejemplo, si durante el proceso de 10 segundos de captura, la velocidad de captura se ajusta de 60 fotogramas por segundo a 24 fotogramas por segundo, cuando se pone en marcha a la velocidad estándar de 24 fotogramas por segundo, se consigue una manipulación de tiempo excepcional. Por ejemplo, alguien abriendo una puerta y saliendo a la calle parecería que empezara con cámara lenta, pero unos segundos más tarde, y en la misma toma la persona parecería estr caminando a “tiempo real” (velocidad normal). De forma contraria se utiliza el "Speed ramping" en The Matrix cuando Neo vuelve a entrar en Matrix por primera vez para ver el Oráculo. Tal como sale del almacén, la cámara se acerca a Neo a una velocidad normal, pero cuanto más se acerca a la cara de Neo el tiempo parece que se vaya ralentizando, prefigurando la manipulación del tiempo que luego se ve en la película de Matrix.

[editar]Personal En orden jerárquico descendiente, el personal involucrado es el siguiente: 	Director de fotografía también llamado cinematógrafo 	Operador de cámara también llamado camarógrafo 	Primer asistente de cámara también conocido como iluminador 	Segundo asistente de cámara también conocido como claquetista En la industria cinematográfica, el director de fotografía es el responsable de los aspectos técnicos de las imágenes (iluminación, elección de las cámaras, composición, exposición, los filtros, selección de la película), pero trabaja de cerca con el director para asegurar que la estética apoya la visión de la historia contada por el director. Los directores de fotografía son los jefes del cámara, el maquinista y el equipo de iluminadores en plató, y por ello suelen ser llamados directores de fotografía o DFS. Según la tradición inglesa, si el propio DF maneja la cámara, será llamado cinematógrafo. En pequeñas producciones generalmente todas esas funciones las cumple una sola persona. La progresión de la carrera normalmente implica subir la escala en segundo lugar, para finalmente manejar la cámara. Los directores de fotografía toman muchas decisiones creativas e interpretativas en el transcurso de su trabajo, desde la preproducción hasta la postproducción, las cuales afectan el aspecto general de la película. Muchas de esas decisiones son similares a lo que un fotógrafo necesita tener en cuenta cuando va a hacer una foto: el cinematógrafo controla todas las decisiones de la película (desde un rango de reservas disponibles con variedad de sensibilidades para luz y color), la selección de las cámaras, los focos, apertura, exposición y focos. Sin embargo la cinematografía tiene un aspecto temporal (ver persistencia de la visión), no como la fotografía, que es simplemente una imagen quieta. También es más voluminoso y agotador trabajar con cámaras de vídeo, e implica elecciones más complejas. Un cinematógrafo normalmente necesita trabajar en equipo más que un fotógrafo, quien frecuentemente puede ser una sola persona. Como resultado, el trabajo del cinematógrafo también incluye organización logística y gestión personal.

Evolución de la tecnología: nuevas definiciones Tradicionalmente el término “cinematografía” se ha referido al trabajo con imágenes en movimiento, pero ahora es un sinónimo de la videografía y el vídeo digital debido a la popularidad de la cinematografía digital. El Proceso de imagen moderno también hizo posible modificar imágenes de manera radical. Esto permitió a las nuevas disciplinas aprovechar algunas de las oportunidades que un día fueron del dominio exclusivo de los cinematógrafos. Véase también Wikiversidad contiene materiales sobre la producción audiovisual Wikimedia Commons posee información relacionada con el Cine 	Películas 3D 	Sección cinematográfica del WikiLibro Movie Making Manual|Cinematography (Manual para hacer películas|Cinematografía) 	Cinematógrafo 	Efectos especiales 	Óscar a la mejor fotografía 	Cine digital 	Películas de ficción 	Equipo 	Producción audiovisual 	Teoría cinematográfica 	Historia del cine 	Lista de formatos cinematográficos 	List a de técnicas cinematográficas 	Índice de artículos relacionados con el cine (lista extensa por orden alfabético y glosario). 	Índice de articulos audiovisuales 	Película fotográfica 	Películas sobre la cinematografía: 	Visions of Light (1993) 	Cinematographer Style (2006) Referencias 1.	^ http://photoclub.canadiangeographic.ca/blogs/close-ups/archive/2008/09/12/timeline-the-evolution-of-the-camera.aspx 2.	^ (John Hora, The American Cinematographer Manual, 9th Edition.) Enlaces externos Busca cinematografía en Wikidiccionario, el diccionario libre. 	La historia de la cinematografía en Kodak. 	Foros en Cinematography.com 	Burns, Paul The History of the Discovery of Cinematography 	Cinematography Mailing List pages edited from email discussions between DP's and their crews 	JackCabbage: Film Lighting - Discussion and Selected Readings 	Producción audiovisual en línea [ocultar] 	V 	T 	E Producción audiovisual

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